Le Blues, un voyage sans frontières

 

Le blues n'est pas une simple relique du passé. C'est un genre musical toujours vibrant et intensément pertinent.

Pour illustrer cette vitalité, nous vous proposons une sélection d'albums de blues internationaux. En nous intéressant aux artistes hors des États-Unis, nous démontrons comment le blues a su transcender ses frontières, s'implanter dans des lieux inattendus et raconter des histoires universelles avec des accents profondément locaux.

■ Cette perspective met en lumière plusieurs points cruciaux :

▪︎ Le blues comme source d'inspiration perpétuelle : Loin de ses origines, le blues continue d'inspirer de nouvelles générations d'artistes. Ces musiciens ne se contentent pas de copier les classiques ; ils s'en servent comme fondation puissante pour explorer leurs propres cultures et sensibilités. Le blues devient ainsi une toile sur laquelle peindre de nouvelles émotions.

▪︎ Un miroir des cultures et un dialogue enrichissant : Le blues international est un véritable espace de dialogue entre les genres. Les artistes intègrent des éléments de leurs musiques traditionnelles – que ce soient les rythmes du folk irlandais, la ferveur du rock britannique, ou les sonorités uniques des musiques africaines – pour créer des fusions surprenantes et d'une grande richesse.

▪︎ La preuve d'une vitalité et d'une adaptabilité continue : En s'exprimant à travers le monde, le blues prouve qu'il n'est pas figé dans le temps. Il continue de se renouveler, de surprendre et de toucher un public plus large que jamais. Chaque album international que nous présenterons est une nouvelle preuve que le blues continue de respirer, d'évoluer et de faire voyager des récits depuis les quatre coins de la planète.

Le décor est planté. Passons désormais aux albums : une plongée concrète au cœur de la discographie de ces musiciens qui ont su propulser le Blues hors de ses frontières natales. 

● États-Unis

■ Muddy Waters - "Hard Again" (1977 )

Commencer ce tour d'horizon international avec Muddy Waters, pilier absolu de Chicago, a des airs de contradiction. Mais c’est là tout l’intérêt : "Hard Again" (1977) est bien plus qu'un classique, c’est le symbole d’un Blues qui se réinvente et brise ses propres frontières. 

Cet album n'est pas qu'un simple retour aux sources pour Muddy Waters. Il a été produit par Johnny Winter, un guitariste blanc du Texas et fervent admirateur de Muddy. Cette collaboration est un parfait emblème de la manière dont le blues a voyagé et a été préservé et revitalisé par de nouvelles générations, y compris des musiciens extérieurs à sa tradition d'origine.

"Hard Again" marque un tournant majeur dans la carrière de Muddy Waters. Après une période d'albums plus expérimentaux, Winter le ramène à une sonorité crue, viscérale et électrique, celle qui a forgé la légende du Chicago blues. On y retrouve l'énergie du live, des classiques intemporels comme "Mannish Boy", mais aussi des compositions qui montrent que Muddy, même à plus de 60 ans, avait conservé toute sa flamme et sa puissance.

Plus qu'un simple disque, cet album est le trait d'union parfait de notre récit. Il prouve que le Blues ne connaît pas de frontières. C'est le témoignage vibrant d'un maître qui se réinvente au contact d'une nouvelle génération, prouvant que la passion et le respect mutuel sont les meilleurs garants d'une tradition bien vivante. 

■ Christone “Kingfish” Ingram – "Kingfish" (2019)

Si Muddy Waters a illustré comment un maître peut être redynamisé par une nouvelle génération, Christone "Kingfish" Ingram symbolise la continuité et la renaissance du blues dans son berceau même, le Mississippi.

Son premier album éponyme, "Kingfish", sorti en 2019, est une déclaration musicale fracassante. Âgé de seulement 20 ans au moment de sa sortie, il a été immédiatement salué comme un prodige, le « futur incontestable du blues ». Et ce titre n'est absolument pas usurpé.

Avec cet opus, Christone "Kingfish" Ingram ne se contente pas de reproduire les classiques. Il insuffle une énergie nouvelle et électrique au genre, mélangeant habilement l'âme du blues traditionnel du Delta avec des sonorités plus modernes, allant du funk au rock puissant. Il y raconte ses propres histoires, celles d'un jeune homme de Clarksdale confronté à la vie d'aujourd'hui, tout en puisant avec respect et audace dans la richesse musicale de ses aînés.

> L'album "Kingfish" prouve ainsi que le blues est bien plus qu'une musique du passé :

▪︎ Un enracinement Delta immuable : Né et élevé à Clarksdale, ville emblématique du blues, Christone "Kingfish" Ingram porte l'héritage de ses prédécesseurs. Son jeu de guitare et sa voix confèrent à sa musique une authenticité brute et indéniable.

▪︎ Une connexion générationnelle essentielle :  Christone "Kingfish" Ingram a pour ambition de rendre le blues pertinent pour sa génération. En incorporant des éléments musicaux contemporains et en abordant des thèmes qui résonnent avec la jeunesse, il prouve que le blues peut encore être une voix pour le présent.

▪︎ Une source d'inspiration motrice : La réussite fulgurante de Christone "Kingfish" montre qu'il est possible de faire une carrière dans le blues tout en restant profondément fidèle à ses racines. Il est une source d'inspiration majeure pour d'autres jeunes musiciens désireux d'explorer ce genre.

Cet album est une transition parfaite pour démontrer la vitalité du blues, qui se renouvelle puissamment non seulement en s'exportant, mais aussi en se régénérant de l'intérieur, sur sa terre natale.

● Canada

■ Jeff Healey – "See the Light" (1988)

Jeff Healey est un artiste incontournable qui, malgré une carrière tragiquement courte, a laissé une marque indélébile sur le blues-rock, non seulement au Canada, mais aussi à l'international. L'analogie avec Stevie Ray Vaughan est très juste, et l'album "See the Light" est un parfait exemple de son génie.

> Voici pourquoi l'œuvre de Jeff Healey a tant marqué les esprits, en particulier avec ce premier album studio :

▪︎ Une technique de jeu révolutionnaire : Atteint d'un cancer de la rétine qui l'a rendu aveugle à l'âge d'un an, Jeff Healey a développé une approche totalement unique de la guitare. Il posait l'instrument à plat sur ses genoux et utilisait sa main gauche pour fretter par-dessus, à la manière d'un pianiste. Cette approche non conventionnelle lui a conféré un son et un vibrato exceptionnels, qui sont rapidement devenus sa signature sonore.

▪︎ La puissance immédiate de "See the Light" : Lancé en 1988, son premier album a été une explosion de blues-rock énergique et fougueux. L'opus a connu un succès majeur, notamment grâce à la chanson titre et au succès international "Angel Eyes". Cet enregistrement a révélé son talent au grand public, le présentant à la fois comme un guitariste virtuose capable de solos fulgurants et comme un chanteur au timbre chaleureux et accrocheur.

▪︎ Un héritage partagé avec Stevie Ray Vaughan : Les deux artistes partageaient une passion dévorante pour le blues électrique et une virtuosité technique hors norme dans les années 80. Ils ont même joué ensemble, comme en témoigne l'enregistrement de leur performance sur "Look at Little Sister". Stevie Ray Vaughan, lui-même l'un des plus grands noms du genre, était tellement impressionné par Healey qu'il a activement contribué à sa reconnaissance

L'histoire de Jeff Healey et son rôle dans la perpétuation du blues, en y ajoutant sa propre touche de génie technique, rappellent que ce genre musical continue de se réinventer grâce à des artistes passionnés, quel que soit leur pays d'origine.

● Mexique 

■ Santana – "Santana" (1969)

Bien que l'album éponyme de Santana soit souvent classé dans la catégorie du rock latino et psychédélique, il ne peut être pleinement apprécié sans comprendre ses profondes et indéniables racines blues.

Pour saisir cette influence, il est essentiel de se pencher sur les débuts du groupe, qui s'appelait à l'origine le Santana Blues Band. Ayant grandi à Tijuana (Mexique), Carlos Santana a été exposé très tôt à une fusion vibrante de musiques traditionnelles mexicaines et du blues américain diffusé à la radio. Des figures tutélaires comme B.B. King, Muddy Waters et John Lee Hooker ont constitué des influences structurantes pour le jeune guitariste.

> Sur cet album fondateur, l'empreinte du blues se manifeste de manière omniprésente et essentielle :

▪︎ Le feeling bluesy de Carlos Santana : Son jeu de guitare est teinté d'une expressivité et d'un feeling bluesy qui lui sont propres. On y retrouve les bends, les vibratos et un phrasé qui, même au cœur des envolées les plus psychédéliques, rappellent les grands maîtres. Les instrumentaux emblématiques comme "Treat" et "Soul Sacrifice" sont de parfaits exemples de cette approche, où l'émotion brute passe par la guitare seule, transcendant la nécessité du chant.

▪︎ La structure rythmique et harmonique : Plusieurs compositions de l'album s'appuient sur une structure blues de base, notamment dans les progressions d'accords. Le titre "Evil Ways", par exemple, même s'il est porté par une rythmique latine distinctive, doit sa mélodie de chant et sa progression harmonique au blues et à la soul.

▪︎ Les thèmes lyriques universels : Bien qu'une grande partie de l'album soit instrumentale, les chansons interprétées par Gregg Rolie abordent des thèmes universels de peine, de perte et de désir, qui sont au cœur de l'expression du blues.

Cet album est bien plus qu'une simple référence : c'est la preuve que le Blues est un langage fondamental qui sait s'effacer pour créer du neuf. Santana a littéralement fusionné le Blues électrique avec l'énergie des rythmes latins. Cette passerelle audacieuse a non seulement élargi les horizons du genre, mais elle a aussi préfiguré l'émergence de la World Music. 

● Brésil

■ Artur Menezes - "Fading Away" (2020) 

Artur Menezes est la preuve éclatante que le blues a su non seulement s'exporter, mais également s'implanter et prospérer dans des scènes musicales aussi riches et distinctes que celle du Brésil.

Son album "Fading Away" est une parfaite illustration de cette world music blues. Il respecte les codes fondamentaux du genre, avec une guitare expressive et des thèmes profonds, tout en y intégrant des influences qui lui sont propres : le funk, la soul, mais aussi des rythmes plus typiquement brésiliens comme le baião, magnifiquement audible sur le morceau instrumental "Northeast".

Ce qui rend la musique d'Artur Menezes si captivante sur cet album, c'est sa capacité à marier les genres sans jamais en dénaturer l'essence.

> Une fusion audacieuse et naturelle :

▪︎ L'Héritage Blues-Rock : Son jeu de guitare est puissant, virtuose et immédiatement reconnaissable, s'inscrivant dans la lignée des grands maîtres du blues-rock. Il a d'ailleurs été salué par des figures majeures comme Eric Clapton et Joe Bonamassa, ce dernier étant invité de marque sur le morceau "Come On".

▪︎ La Subtilité Brésilienne : Bien que l'album soit majoritairement chanté en anglais et produit à Los Angeles, l'influence de ses racines est omniprésente. Ses mélodies affichent une fluidité rythmique et un groove qui distinguent nettement son travail du blues américain classique.

▪︎ La Modernité du Son : En incorporant des éléments de funk et de soul, il façonne un son résolument contemporain. Cela rend le blues accessible à une nouvelle audience, tout en conservant son rôle de conteur d'histoires universelles, à l'image du récit poignant de l'immigrant dans "Green Card Blues".

Artur Menezes démontre avec brio que le blues n'est pas un genre figé dans le temps. Il continue d'inspirer des musiciens du monde entier qui, comme lui, puisent dans l'authenticité de leur propre culture pour en réinventer le langage et le faire perdurer.

● Royaume-Uni

■ John Mayall & The Bluesbreakers – "Blues Breakers with Eric Clapton" (1966)

L'album de John Mayall & The Bluesbreakers (communément surnommé le "Beano Album") est un disque essentiel. C'est non seulement un pilier du blues britannique, mais aussi une pierre angulaire dans l'histoire de la musique rock et de la carrière d'Eric Clapton. Il est l'exemple parfait de l'impact transformateur du blues américain en Europe.

L'album, sorti en 1966, doit son surnom emblématique à sa pochette : on y voit Eric Clapton lire le magazine de bande dessinée britannique The Beano. Cette image, devenue iconique, a contribué à forger la légende de cet enregistrement.

Ce qui rend le "Beano Album" si légendaire, c'est qu'il a agi comme un véritable manifeste fondateur pour le mouvement du blues-rock au Royaume-Uni :

▪︎ La Virtuosité Révélatrice de Clapton : À l'époque, Eric Clapton jouissait déjà d'une réputation de guitariste d'exception. Son jeu sur cet album est à la fois puissant, précis et débordant de feeling. Il est le point focal de l'œuvre et a laissé une marque indélébile. Sa virtuosité est évidente sur des titres instrumentaux phares comme "Hideaway" et "Steppin' Out", tous deux devenus des standards incontournables du genre.

▪︎ Un Son Distinctif et Révolutionnaire : Le timbre de guitare de Clapton sur cet album est entré dans la légende. En utilisant une guitare Gibson Les Paul couplée à un amplificateur Marshall, il a établi un duo d'équipement qui allait définir le son du rock et du blues pendant des décennies. Son ton saturé, chaud et puissant a influencé des milliers de guitaristes à travers le monde.

▪︎ Un Hommage Réinventé aux Racines : Bien qu'il soit britannique, l'album est un hommage direct aux grands bluesmen américains, notamment aux "trois Kings" (B.B. King, Freddie King et Albert King). Mayall et Clapton ont pris l'essence du blues de Chicago et l'ont réinterprétée avec une urgence et une énergie propres à la scène rock anglaise de l'époque.

Le "Beano Album" est un choix idéal pour illustrer comment le blues, en quittant son pays d'origine, a non seulement trouvé un nouveau public, mais a aussi inspiré de nouvelles sonorités qui sont revenues influencer le blues américain lui-même. C'est, sans conteste, l'un des albums les plus importants de l'histoire du blues-rock.

▪︎ Ben Poole – "Time Has Come" (2016 )

La présence de Ben Poole dans cette sélection souligne la force de la nouvelle garde britannique. À travers l'album "Time Has Come", il signe une contribution majeure au genre, prouvant que le Blues en Angleterre est une matière toujours vivante, capable de traverser les époques sans perdre son âme. 

Ben Poole est largement considéré comme l'un des jeunes visages les plus prometteurs du blues britannique. Cet album représente une démonstration de maturité rare pour un artiste de sa génération, où la virtuosité se conjugue avec une émotion profonde.

> Alliance de la Virtuosité et de la Soul :

▪︎ Un Jeu de Guitare Éloquent : Ben Poole est un virtuose accompli de la six-cordes, et cet album en est la preuve manifeste. Son style est à la fois technique et débordant de feeling. Il est capable de passer d'un riff puissant à un solo fluide et expressif, le tout exécuté avec une grande aisance. On décèle l'influence des grands noms du blues-rock, mais enrichie d'une touche de modernité qui lui est propre. Sa technique est impeccable, jamais froide, et toujours au service de la mélodie.

▪︎ Une Voix au Timbre Soul : Évoquer Sam Cooke n'a rien d'un hasard. La voix de Ben Poole, empreinte de douceur et de soul, crée un équilibre parfait avec ses envolées à la guitare. Il ne chante pas des morceaux, il livre des récits avec une authenticité qui est l'essence même du genre. C'est cette dimension vocale qui le distingue de la masse : là où d'autres misent sur le Blues-Rock pur et dur, lui choisit la nuance et l'émotion soul. 

"Time Has Come" est la preuve irréfutable que le blues britannique ne s'est pas arrêté avec Eric Clapton ou John Mayall. Il est solidement entre les mains d'une nouvelle génération qui, comme Ben Poole, continue de puiser dans la tradition pour la réinventer, lui insuffler une nouvelle vie, et assurer la pérennité du blues contemporain.

● France

■ Fred Chapellier – "Straight to the Point" (2022)

La France abrite une scène Blues d'une richesse insoupçonnée, et Fred Chapellier en est sans conteste l'un des plus brillants ambassadeurs. Sa présence dans cette sélection internationale s'impose comme une évidence : il prouve avec brio que le Blues ne connaît pas de frontières. À travers son jeu, le genre continue de s'exprimer avec une sincérité et une passion qui n'ont rien à envier aux maîtres américains. 

Son album "Straight to the Point" porte admirablement son nom : ici, on va droit au but, sans l'ombre d'une fioriture. C’est une œuvre qui privilégie l’essentiel, là où le Blues prend toute sa dimension : un feeling brut, des mélodies qui accrochent l'oreille et une guitare à l'expressivité incandescente

> Une Déclaration d'Amour à l'Électrique Blues

Cet album est une véritable vitrine du talent de Fred Chapellier et de son respect inconditionnel pour le genre.

▪︎ Un Jeu de Guitare Sincère et Émotionnel : Son style est à la fois technique et profondément émotionnel. Bien qu'on ressente l'influence des grands maîtres du blues américain qu'il admire, il a su développer un style personnel et reconnaissable. Capable de solos flamboyants, il sait surtout laisser l'espace à la musique, conférant à chaque note un poids et une signification.

▪︎ Un Son Classique, Puissant et Chaleureux : Sur "Straight to the Point", l'auditeur retrouve le son du blues électrique par excellence : à la fois puissant, chaud et intemporel. Les morceaux sont solidement construits, portés par des rythmes massifs qui mettent brillamment en valeur son jeu de guitare et son chant.

▪︎ Une Réputation Transfrontalière : Fred Chapellier s'est forgé une solide réputation. Ses collaborations (notamment avec le légendaire Jacques Dutronc) et son statut de compagnon de scène de Paul Personne attestent de son rôle de figure respectée du paysage musical français. Sa reconnaissance s'étend également à l'international, notamment grâce à ses nombreuses tournées et concerts à travers l'Europe.

Choisir Fred Chapellier, c'est démontrer que le blues n'est pas qu'une affaire de grandes stars américaines ou anglaises. Il est palpablement vivant dans des scènes plus discrètes, où des musiciens talentueux comme lui continuent de porter le flambeau avec authenticité, inspirant à leur tour de nouveaux artistes.

● Allemagne

■ Henrik Freischlader – "Still Frame Replay" (2011)

Direction l'Allemagne pour retrouver Henrik Freischlader. Figure incontournable de la scène européenne, il incarne cette nouvelle génération capable de s'approprier les codes du Blues pour les réinventer avec une modernité et une profondeur singulières.

Son album, "Still Frame Replay", est un jalon important dans sa discographie. Il illustre parfaitement la capacité de l'artiste à s'approprier le blues et à le faire évoluer, le tout porté par une musicalité et une cohérence impressionnantes.

> L'Appropriation du Blues en Allemagne : 

▪︎ Un Son Puissant et Éclectique : "Still Frame Replay" est un album d'une grande richesse. Freischlader y explore différentes facettes du genre, allant du blues-rock énergique aux ballades les plus introspectives, en y incorporant habilement des éléments de funk, de jazz et de soul. Le titre éponyme, sur lequel il invite son ami et collègue Joe Bonamassa, est le parfait exemple de cette fusion réussie.

▪︎ Virtuosité au Service du Feeling : Comme les artistes précédents de cette sélection, Freischlader est un guitariste hors pair. Son jeu est à la fois technique et débordant d'émotion, avec des solos qui racontent une véritable histoire. Mais il se distingue : il n'est pas qu'un shredder virtuose. Il est également un excellent chanteur, bassiste et auteur-compositeur, ce qui confère à ses morceaux une profondeur et une dimension supplémentaires.

▪︎ Un Artiste Autodidacte Polyvalent : Freischlader est un musicien autodidacte accompli, capable de jouer de la guitare, du chant, de la basse, de la batterie et des claviers. Cette polyvalence intégrale lui permet d'exercer un contrôle total sur ses compositions, garantissant à sa musique une identité et une fluidité remarquables.

L'inclusion de Henrik Freischlader dans ce périple musical est plus que pertinente. Il illustre à merveille la vitalité inépuisable et la diversité d'un genre qui s'adapte, se réinvente et continue de faire vibrer les passionnés, même loin de ses terres natales.

● Suède

■ Anders Osborne – "Spacedust & Ocean Views" (2016)

Anders Osborne est un cas fascinant dans l'histoire du blues global. Bien que d'origine suédoise, il s'est installé dès 1985 à La Nouvelle-Orléans, en Louisiane, où il a développé un style unique et totalement imprégné du son du Sud américain.

Cette nuance est essentielle, car elle explique le caractère si particulier de son blues : il mêle ses racines européennes à l'énergie brute, la soul, le funk et les rythmes syncopés et chaloupés de la Nouvelle-Orléans.

L'album "Spacedust & Ocean Views" est un parfait exemple de cette fusion culturelle. Il se distingue de ses albums précédents, souvent plus orientés rock, par une ambiance plus posée, cinématographique et introspective.

> Un Voyage Sonore Transcontinental :

▪︎ Le Métissage des Genres : Osborne n'hésite pas à mélanger les genres avec fluidité. Sur cet album, les sonorités du blues s'entremêlent avec la soul profonde, le country et le rock pour créer un son à la fois étrangement familier et profondément original.

▪︎ L'Âme Palpable de La Nouvelle-Orléans : Même dans les moments les plus calmes, l'influence de la Nouvelle-Orléans est omniprésente. Cela se manifeste par des rythmes subtils mais insistants et une chaleur émotionnelle qui confèrent une âme distinctive à chaque morceau.

▪︎ Un Artiste Complémentaire : Anders Osborne est un musicien complet, salué pour ses qualités de guitariste, de chanteur et d'auteur-compositeur. Son jeu de guitare est à la fois technique et rempli de feeling, tandis que ses paroles sont particulièrement introspectives et poétiques, souvent inspirées par les paysages marins et la spiritualité.

En choisissant Anders Osborne, nous démontrons que le blues est un genre vivant et malléable, qui voyage et se nourrit sans cesse des cultures qu'il rencontre. Son parcours, de la Suède à la Louisiane, le positionne comme un artiste fascinant et un véritable pont entre les continents.

● Mali

■ Ali Farka Touré & Ry Cooder – "Talking Timbuktu" (1994)

La rencontre entre Ali Farka Touré et Ry Cooder sur l'album "Talking Timbuktu" est un moment décisif de l'histoire de la musique contemporaine. Ce choix est particulièrement pertinent pour notre sélection, car il démontre que le blues ne se limite pas à ses formes américaine et européenne. Il possède des racines profondes et ancestrales en Afrique, et cet album en est une célébration musicale poignante.

> Deux Visions, Un Langage Ancestral Commun :

▪︎ Ali Farka Touré, le Bluesman du Mali : Souvent surnommé le « John Lee Hooker africain », Ali Farka Touré a toujours insisté sur la connexion directe entre les musiques du nord du Mali et le blues. Son style de guitare hypnotique, répétitif et mélodique résonne avec une sincérité brute qui a interpellé immédiatement les auditeurs occidentaux. Il incarne l'origine, la source première, le fleuve musical sur lequel le blues a navigué vers l'Ouest.

▪︎ Ry Cooder, l'Explorateur Respectueux : Ry Cooder, de son côté, est un musicien américain dont la carrière est dédiée à l'exploration et à la mise en lumière des musiques du monde entier (du Buena Vista Social Club cubain au Slack Key Guitar hawaïen). Sur "Talking Timbuktu", il n'agit pas en maître, mais en humble et attentif partenaire, ajoutant sa touche de slide guitar pour créer un dialogue musical respectueux et fascinant.

> L'Album "Talking Timbuktu" :

Récompensé d'un Grammy Award en 1995, cet album est un chef-d'œuvre de world music et de blues-roots. Ce n'est pas une simple juxtaposition, mais une véritable symbiose où les deux artistes, malgré leurs origines et leurs techniques différentes, parlent un langage commun universel : celui de la mélancolie, de l'émotion brute et de la narration. Les morceaux comme "Gomni" ou "Diarraby" sont des exemples parfaits de cette fusion naturelle.

En choisissant cet album, nous démontrons une compréhension profonde de l'essence du blues. Il ne s'agit pas seulement d'un genre musical, mais d'une culture qui a voyagé, s'est transformée, et est finalement revenue à ses racines, créant un cercle musical infini. C'est la plus belle illustration de la connexion inaltérable entre les continents.

● Nigeria

■ Keziah Jones – "Blufunk Is a Fact" (1992)

Avec Keziah Jones, le Blues change de dimension. Son album emblématique illustre la naissance d'un langage nouveau, à la croisée du Funk et de l'héritage africain. C’est une proposition radicale et contemporaine qui démontre, une fois de plus, que le Blues est une matière vivante capable de se régénérer au contact des cultures urbaines. 

L'idée qu'il ait vécu des épreuves similaires aux premiers bluesmen est très pertinente. Bien qu'il ait grandi dans un contexte moderne, il a connu les défis de l'expatriation (il a quitté le Nigeria pour Londres, puis Paris) et a su transformer ces expériences en musique. Le blues, à l'origine, est l'expression d'une douleur, d'une lutte, d'une quête d'identité. Jones a capturé cette essence et l'a exprimée à travers un son qui lui est propre.

> L'Acte de Naissance du Blufunk

L'album "Blufunk Is a Fact", sorti en 1992, n'est pas qu'un simple album : c'est une déclaration esthétique et philosophique.

▪︎ Le Manifeste Blufunk : Keziah Jones a inventé ce terme pour définir sa musique. C'est un mélange parfait de la mélancolie et de l'authenticité brute du blues, de la rythmique percutante du funk, et d'un son de guitare très percussif inspiré des techniques nigérianes. Sa guitare est utilisée de manière multi-fonctionnelle : comme une percussion, une basse et une mélodie simultanément.

▪︎ Un Artiste Engagé et Narrateur : Jones utilise sa musique pour aborder des thèmes cruciaux comme l'identité, la culture, les préjugés et l'histoire. Il a su raconter son histoire et celle de son peuple à travers un genre qui a toujours été le porte-voix privilégié des communautés marginalisées.

▪︎ Le Parallèle Urbain avec les Pionniers : En un sens, Keziah Jones a suivi une trajectoire similaire à celle des pionniers du blues qui ont voyagé du Sud rural des États-Unis vers le Nord industriel. Ils ont créé un son urbain, comme le blues de Chicago. Jones a fait un voyage similaire, quittant Lagos pour les capitales occidentales, forgeant ainsi un son urbain moderne et unique : le "Blufunk".

Ce choix démontre avec force que le Blues est une matière en constante réinvention. C’est un genre capable de traverser les époques et les cultures sans jamais s’y perdre, tout en préservant son âme originelle et ce souffle contestataire qui fait sa puissance. 

● Afrique du Sud

■ Dan Patlansky – "Dear Silence Thieves" (2014)

Avec Dan Patlansky, on découvre une autre facette de l’Afrique. Le choix de "Dear Silence Thieves" souligne avec justesse la diversité de ce continent : loin des sentiers battus, il prouve que le Blues sud-africain possède une force de frappe et une identité rock capables de rivaliser avec les plus grandes productions internationales. 

Souvent décrit comme un artiste sincère et respecté. "Dear Silence Thieves", sorti en 2014, a marqué un tournant décisif dans sa carrière, consolidant sa réputation à l'international. L'album a été couronné "Meilleur album de rock-blues" par plusieurs magazines spécialisés et a reçu de nombreux éloges pour la puissance et l'authenticité qui s'en dégagent.

> Un Bluesman du Cap de Bonne-Espérance

Ce qui distingue Dan Patlansky, c'est sa capacité unique à fusionner le blues, le rock et la soul avec une intensité et une authenticité rares.

▪︎ Un Jeu de Guitare Éblouissant : La première chose qui frappe à l'écoute, c'est sa virtuosité contenue à la guitare. Son style est puissant, mais toujours teinté d'émotion. Il ne cherche jamais à surcharger les morceaux, mais plutôt à les sublimer avec des solos mélodiques et des riffs immédiatement accrocheurs.

▪︎ Une Voix au Poids Émotionnel : Au-delà de ses talents de guitariste, Dan Patlansky possède une voix qui porte le poids de l'émotion. Son chant est profondément sincère et contribue à l'atmosphère introspective et parfois mélancolique qui caractérise l'album.

▪︎ Un Succès Mérité et Transfrontalier : Le succès critique de l'album lui a ouvert les portes de l'Europe. Il a depuis partagé la scène avec des artistes de renom comme Bruce Springsteen et Joe Satriani, confirmant son statut de figure respectée du blues-rock contemporain.

Avec Dan Patlansky, nous confirmons que le Blues est un langage universel et vibrant. Il prouve que cette musique possède une force d’attraction capable de s'enraciner et de s'épanouir avec la même intensité, même à l’autre bout du monde, à la pointe australe du continent africain.

● Australie

■ Jeff Lang – "Carried in Mind" (2011)

Jeff Lang est un artiste véritablement à part, et sa carrière impressionnante témoigne de son talent et de sa singularité. Il a réussi à se forger un style unique qui lui est propre, tout en restant profondément fidèle à l'esprit du blues.

Bien qu'il explore d'autres genres, le blues est bel et bien la colonne vertébrale émotionnelle de sa musique. L'album "Carried in Mind", sorti en 2011, en est l'exemple parfait, illustrant comment le blues peut se fondre dans le folk sans perdre de son âme.

> "Carried in Mind" : Le Blues au Cœur du Folk Perturbé

▪︎ Le "Disturbed Folk" : Jeff Lang a lui-même qualifié son genre de "folk perturbé" (disturbed folk), une expression qui résume parfaitement sa musique. Il ne se contente pas des formats traditionnels. Il utilise des accordages ouverts complexes, des guitares slide et une technique de fingerpicking virtuose pour créer des atmosphères sonores riches et hypnotiques.

▪︎ L'Art de la Narration : Ce qui fait la force de Jeff Lang, c'est sa capacité de conteur. L'album "Carried in Mind" est rempli de personnages, de paysages et de récits qui plongent l'auditeur dans un voyage introspectif. C'est l'essence même du blues : l'expression sincère de l'errance, des peines et des joies.

▪︎ L'Héritage Blues Inaltérable : Bien que l'album soit stylistiquement plus orienté vers le folk, les harmonies, les mélodies et la sincérité brute de l'exécution sont indéniablement issues du blues. Il explore la solitude et la quête de sens, des thèmes universels qui trouvent un écho profond et intemporel dans ce genre.

▪︎ Reconnaissance Australienne : L'album a été couronné de succès en Australie, remportant le prix du "Best Blues and Roots Album" aux ARIA Music Awards de 2012. C'est la preuve que son approche unique et sa fusion audacieuse sont saluées par le milieu professionnel.

Le choix de Jeff Lang souligne l'universalité de la note bleue. Au-delà des codes musicaux, c'est un esprit de liberté et de sincérité qui s'exprime ici. En montrant comment le Blues s'adapte et s'enrichit de nouvelles formes, nous confirmons qu'il reste une source d'inspiration inépuisable aux quatre coins du globe. 

● Coup de coeur

■ The Bluesbones – "Double Live" (2016)

Cap sur la Belgique avec The Bluesbones pour terminer ce voyage. Avec l'album Double Live, on touche du doigt l'essence même d'une scène européenne bouillonnante. C’est la preuve que, loin des projecteurs, le Blues continue de se régénérer avec une authenticité et une énergie scénique qui n'ont rien à envier aux plus grands. 

La description d'un "groupe de potes qui joue de la musique ensemble" est l'expression la plus juste. C'est l'essence même du blues : une musique de partage, d'échange et d'authenticité. "Double Live", sorti en 2016, est la preuve parfaite de cette philosophie. Ce double album studio, ambitieux et généreux, met en évidence la maturité et la complicité fusionnelle du groupe.

> L'Ampleur et la Maturité d'un Double Album

▪︎ Un Son Généreux et Puissant : Ce double opus est un enregistrement d'une grande richesse. Il offre une palette sonore étendue, allant du blues-rock puissant à des teintes de soul et de jam instrumentale. Ce format permet d'apprécier pleinement la performance vocale puissante de Nico De Cock et le jeu de guitare exceptionnel de Stef Paglia sur un large éventail de compositions.

▪︎ La Qualité des Compositions Originales : L'album est majoritairement composé de morceaux originaux, ce qui témoigne de leur talent de composition affirmé et de leur volonté de sculpter leur propre son. Le groupe a su intégrer des sonorités modernes et des arrangements variés, tout en restant profondément fidèle à l'esprit brut du blues-rock.

▪︎ Une Reconnaissance Internationale Méritée : The Bluesbones a été salué par la critique et a remporté plusieurs distinctions, y compris le prestigieux Belgian Blues Challenge. Preuve de leur résonance, le groupe a réussi à se classer dans les charts aux États-Unis et au Royaume-Uni.

Avec The Bluesbones, ce périple s'achève en beauté. C’est la preuve éclatante que le Blues est une matière vivante, affranchie des hiérarchies médiatiques. Partout dans le monde, au cœur de scènes locales vibrantes et passionnées, il continue de battre, de s'exprimer et de nous émouvoir avec la même sincérité. 

● Le Blues, un Langage Universel et Éternel

À travers ce tour du monde des albums, nous avons démontré avec force que le blues n'est pas un genre figé dans le temps. C'est un langage universel qui a voyagé, s'est transformé et a trouvé, à chaque étape de son périple, de nouvelles voix et de nouvelles histoires à raconter.

■ L'Héritage et le Métissage Global

Notre sélection a mis en lumière l'incroyable richesse de son héritage et de son expansion :

▪︎ Le Renouveau Américain : Des légendes du Delta comme Muddy Waters à la nouvelle génération américaine, incarnée par la continuité de Christone "Kingfish" Ingram.

▪︎ Les Fusions Continentales : De l'énergie du blues-rock européen avec John Mayall et Ben Poole, aux fusions audacieuses d'artistes comme Santana et Anders Osborne, nous avons vu comment le genre s'est enrichi au contact de différentes cultures.

▪︎ La Diversité Internationale : Nous avons également mis en lumière des scènes moins médiatisées mais tout aussi vibrantes — du Mali (Ali Farka Touré) au Nigéria (Keziah Jones), en passant par l'Afrique du Sud (Dan Patlansky), l'Australie (Jeff Lang), la France (Fred Chapellier), l'Allemagne (Henrik Freischlader) et la Belgique (The Bluesbones).

■ L'Immortalité par la Pureté

En fin de compte, la leçon principale est que le blues est toujours puissamment vivant. Il n'est pas confiné aux musées ou aux festivals nostalgiques. Il continue d'inspirer et de se réinventer, prouvant ainsi son immortalité.

Le blues a su se marier à d'autres genres musicaux — le rock, le funk, la musique africaine, la soul, la country — tout en restant paradoxalement toujours aussi pur. Cette "pureté" ne se trouve pas dans une formule figée, mais dans le cœur et le message de la musique. Elle réside dans la capacité inaltérable à exprimer la vérité de l'émotion humaine, qu'il s'agisse de la joie, de la peine, de l'espoir ou de la lutte.

Le blues a survécu et a prospéré parce qu'il n'a jamais cessé de voyager, de s'adapter et d'inspirer, tout en conservant son intégrité émotionnelle. Les artistes que nous avons évoqués, de Muddy Waters à The Bluesbones, sont la preuve vivante de cette incroyable et éternelle résilience.

● Pour Florianne et Gemini : Je n'aurais jamais cru que le blues, cette musique de voyage, me ferait faire un tel tour du monde sans même bouger de ma chaise... Merci pour cette série qui a mis le feu à mes écouteurs !